Nuevos proyectos

Tengo el placer de presentaros dos nuevos proyectos que me he animado a crear, dos nuevos blogs, uno con revistas y otras cosas útiles para fotógrafos de naturaleza, y otro sobre composición en fotografía, me lo tomaré con tranquilidad para llevarlos todos para delante, ya que no quiero aumentar la faena, iré alternando entradas en cada uno de ellos, aunque el que más quiero llevar actualizado es este, mi blog principal, Una Ventana a la Naturaleza. Aquí os dejo un enlace a estos dos nuevos blogs:

Fotografía de Naturaleza  -  Nature Photography.

Composición Visual.

Espero que sean de utilidad y que gusten estos nuevos proyectos.

Vídeos de fotografía XIII: Joan Fontcuberta

En esta entrada se puede ver una recopilación que he hecho de vídeos con conferencias o entrevistas en las que el artista, docente, ensayista, crítico y fotógrafo Joan Fontcuberta analiza la imagen de una manera filosófica y nos muestra algunos de sus proyectos en los que indaga en algunos aspectos de la imagen y de la sociedad, como la credulidad del espectador o la sociología en torno a la imagen entre otros temas, y siempre con buena carga de humor e ironía.

Conferencia Joan Fontcuberta

Conferencia de Joan Fontcuberta en Artium

Joan Fontcuberta - Fórum Latino-Americano de Fotografia de São Paulo (2010)

Joan Fontcuberta - Entrevista

Joan Fontcuberta

Entrevista Joan Fontcuberta

Joan Fontcuberta en el Máster Europeo de Fotografía de Autor del IED Madrid

Más vídeos de Joan Fontcuberta:

Joan Fontcuberta - La obra-colección

• Las “reglas de composición”, un concepto totalmente erróneo.

Aunque en la entrada sobre percepción visual voy a hablaros de leyes, quiero resaltar que hay que olvidarse por completo del concepto “reglas de composición”, voy a sumarme yo también a la opinión de José Benito y otros maestros con estas reflexiones. Voy a ir reforzando las opiniones que voy a exponeros con citas de diversos expertos, ya sean pintores, fotógrafos o lo que sean.

Esto es lo primero que contesta José Benito a una pregunta del chat de las sesiones de Un año de fotografía en la que nombran las reglas.

“Lo de las reglas me ha hecho daño. No hay reglas, no tenemos reglas, que reglas, que alguien me diga una regla que se la desmonto en segundos. No existen las reglas.”

Hay ciertos conceptos que cuando una persona se acerca por primera vez a la fotografía, y busca información en Internet, puede encontrárselos fácilmente de forma demasiado resumida y con conceptos estereotipados, yo mismo hasta que no he profundizado en el tema de la composición intenté aplicar estas “reglas”, y en cierta manera si que me ayudaron un poco al principio, después fue cuando me dí cuenta de la complejidad del tema de la composición y vi que estas reglas aparte de no ser muy efectivas, te dejan encorsetado con respecto a la creatividad en la composición, siempre igual, el horizonte en el tercio superior o inferior, por ejemplo. Pues habrá que explorar muchas más posibilidades, claro que si, hasta donde llegue nuestra imaginación, y hasta el límite de nuestros conocimientos, por lo que cuanta más formación tengamos, más podremos potenciar la creatividad.

“Enseño a mis estudiantes a no aplicar normas o formas mecánicamente.”
Josef Albers

Por eso pienso que uno de los estereotipos sobre fotografía que me he encontrado con más frecuencia en Internet es el de las “reglas de composición”, en composición no hay reglas, si no un conjunto de conocimientos adquiridos y recopilados a lo largo de la historia. Cuantos más de estos conocimientos conozcamos y más profundicemos en ellos, más variables tendremos en nuestra mente a la hora de resolver la composición de una escena de forma estética y consiguiendo el mensaje buscado de la forma más rápida, y así conseguiremos un porcentaje más alto de fotografías que nos gusten en nuestras salidas, aunque con el tema de las prisas también quiero decir que yo pienso que la mayoría de las veces es mejor pensar un poco antes de sacar la cámara, y reflexionar sobre las formas en que podrías enfrentarte a ese sujeto, y ya una vez que hayas pensado las formas de cómo lo fotografiarías, y también las formas de cómo no lo fotografiarías, por si acaso, a lo mejor con alguna de las formas que no sueles usar se podría conseguir un punto de vista distinto, y ya elegir la forma que te parezca más apropiada para lo que buscas, o para algo nuevo que no buscas, fruto del azar, pero que al final a terminado formando parte de las variables archivadas en tu cerebro como un nuevo recurso a utilizar en alguna otra ocasión.

“El concepto de “reglas de composición” es absolutamente erróneo, debería ser impronunciable. La composición proviene de conocimientos acumulados en el devenir de la Humanidad, desde la cultura Sumeria hasta nuestros días.”José B. Ruiz

Al principio de acercarme a la fotografía y empezar a buscar información, yo estudié las llamadas “reglas de composición” por que es lo primero que me encontraba en Internet cuando buscaba información sobre fotografía, pero no terminaban de convencerme del todo, eran demasiado simples, así que seguí buscando más información, y ya leyendo algunos textos me empecé a dar cuenta de donde me estaba metiendo, entonces me dí cuenta de que para aprender sobre composición era mejor buscar en webs y libros sobre arte y pintura, que en la mayoría de publicaciones sobre fotografía, que aunque también hay bibliografía variada sobre el tema de la composición en fotografía y el análisis de la imagen, cada vez que intentaba buscar en Internet información sobre composición en fotografía me encontraba con las dichosas reglas o leyes, la regla o ley de los tercios, del horizonte, etc. por eso me dio la impresión de que era mejor buscar información en textos de arte, y más concretamente de pintura, porque la pintura es mucho más antigua que la fotografía (hay tenemos las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira) y la pintura tiene formulaciones y formas de aprenderla mucho más complejas y trabajadas que la fotografía (que no tiene ni 200 años). También hay que tener en cuenta que la fotografía y la pintura son dos medios visuales distintos y por lo tanto hace falta un adiestramiento especial para cada uno de ellos, D. A. Dondis nos dice esto en su libro “La sintaxis de la imagen”,“El gesto, la expresión, el lenguaje escrito y la simbolización están todas al alcance del lego. Pero las artes visuales, los oficios, el diseño industrial, la fotografía, la pintura, la escultura y la arquitectura requieren practicantes con adiestramiento especial y un talento adecuado. Cada medio visual no sólo tiene unos elementos estructurales propios sino también una metodología única para la aplicación de decisiones compositivas y la utilización de técnicas en su conceptualización y formalización. La comprensión de estas fuerzas ensancha el campo de la experimentación y la interpretación tanto en lo que se refiere al autor como al espectador llevándolos a un conjunto visualmente más alfabetizado de criterios que pueden unir más estrechamente realización y significado.”

El concepto de “reglas de composición” lo encontramos por Internet muy a menudo, y llevamos ya muchos años lastrados con el, Ansel Adams tiene ya una cita al respecto, “Las llamadas reglas sobre composición son, en mi opinión, inválidas, irrelevantes e inmateriales. No existen reglas para las buenas fotografías, solo buenas y malas fotografías”, por lo que en mucha gente puede actuar como la publicidad, por efecto de saturación o reiterada exposición, por eso con estas reflexiones quiero contribuir a intentar que la gente se vaya olvidando de estas reglas y se forme de manera más profunda y que investigue nuevas posibilidades y no intente hacer buenas fotografías con cuatro conceptos que te digan en una revista u otro sitio, se aprende mucho más de composición estudiando a Leonardo Da Vinci y otros maestros de la pintura, o el número Phi y la sección áurea o la percepción visual por ejemplo, que en el mayor número de publicaciones y artículos actuales sobre composición en fotografía, que pretenden resumirte unos amplios y vastos conocimientos en cuatro reglas simplonas y encima te dicen “Todo lo que hay que saber sobre la composición en fotografía” o “Aprende composición en una semana”, y ya está, pero muy al contrario de lo que nos quieren vender en muchos sitios, aprender sobre composición requiere de muchos años de estudio y de práctica, ya que no es fácil educar nuestra mirada y nuestra sensibilidad para aprender a ver de verdad.

“Visión es el arte de ver lo que es invisible para otros”
Jonathan Swift

“Lo importante es ver aquello que resulta invisible para los demás.”
Robert Frank

“Lo que no puedes ver es infinitamente más importante que lo que puedes ver”
Duane Michals

“No estoy interesado en fotografiar nuevas cosas, estoy interesado en ver cosas nuevas”
Ernst Haas


Todo esto solo son opiniones y esta entrada solo pretende ser una crítica constructiva, ya que no quiero ofender a nadie. También hay que tener en cuenta que muchas veces estudiar el tema de la composición solo será necesario en el caso de que busques una buena estética en tus fotografías, puede ser que no la busques, como es el caso de un aficionado que no esté preocupado por la estética y no tenga pensado avanzar en el tema de la composición, simplemente por que no quiera, o de la persona que utilice las fotografías como herramienta para documentar algo y no esté preocupado por la estética en sus imágenes, sino que solo pretende documentar un viaje o algo para su trabajo, otro ejemplo sería que el motivo por el que se ha hecho la fotografía sea para la investigación, entonces puede pasar que las fotos más estéticas dificulten la tarea para la que se supone que se hacen, y que otras menos estéticas ayude a la tarea para la que se hacen, como por ejemplo poder explorar mejor lo que sea según el ángulo, la posición u otras muchas variables como las cualidades de la luz, la óptica o la técnica a emplear, que ayudaran a ver, medir, comparar, clasificar o sea lo que sea lo que se quiera hacer con el sujeto de esa fotografía para la investigación en cualquier campo de la ciencia. Esto no quiere decir que muchas fotografías que documentan algo o fotografías de ciencia no tengan una excelente composición y una buena estética y que muchas veces una buena composición no ayude a cumplir mejor una función, aunque no sea la principal por la que se ha hecho esa fotografía, ya que muchos de los casos si que lo hará, como por ejemplo la de permanecer más fácilmente y durante más tiempo en nuestra memoria, como nos dice la Gestalt en la ley de Prägnanz y Brassaï en alguna de sus citas.

“No existen reglas de composición, sino conocimientos profundos que no pueden ser resumidos para aprenderlos fácilmente, con la superficialidad y la inmediatez del mediocre momento actual.”
José B. Ruiz

Con respecto a la cita de Ansel Adams y lo de “buenas y malas fotografías” y a los conceptos “bueno” y “malo” en fotografía, y en el arte en general, también hay que ser cauteloso, yo más bien utilizaría expresiones como “para mi tiene una composición más o menos acertada”, o “en mi opinión transmite más o menos”, o “para mi impacta más o menos”, “en mi opinión utiliza la técnica y las posibilidades mejor o peor”, o “a mi me gusta personalmente más o menos”, etc. Aunque algunas veces pienses “es una broza de fotografía”, o “esa fotografía no vale para nada” o “esa fotografía no me dice nada” a lo mejor a su autor o a otras personas si les gusta, tu solo puedes dar tu opinión, diciéndole lo que no te gusta, porqué y como mucho como lo resolverías tu, pero sin intentar imponérselo, sino solo a modo de ejemplo, para intentar que su autor se fije en algunos detalles, que a lo mejor tú mismo antes tampoco percibías y que pueden ser importantes para variar el resultado considerablemente para mejor, en tu opinión claro, y que una vez que se haya formado más y aprenda a ver las cosas con más matices de los que las veía antes, entonces que elija él el camino que va a seguir, pero como comenta Fernando Puche, en una de sus metáforas, no con estas palabras exactamente pero si con esta idea, y es que necesitamos de un suelo firme en el que vallamos de la mano de alguien antes de echar a volar solos, con paracaídas claro, sino queremos pegarnos una buena galleta.

“El enemigo de la fotografía es lo convencional, las reglas fijas sobre el como. Su salvación vendrá de la experimentación”
Ernst Haas

También hay que tener en cuenta que matices o fórmulas que algunos fotógrafos pueden considerar “malos”, pueden ser un recurso muy empleado por otros, obteniendo buenos resultados. Por lo que muchas veces observaremos subjetividad y discrepancia en algunos aspectos cuando valoramos el como, tanto técnica como compositivamente, también a la hora de elegir lo que consideramos una “buena fotografía” o a la hora de poner unas fotografías en un orden de preferencia, por ejemplo. Aunque yo creo que esto se debe en parte a la escasa cultural visual que tiene la sociedad de nuestros días, aunque seamos bombardeados cada día con muchísimas imágenes, también creo que si los que observan la fotografía están formados y tienen cierta cultura visual, coincidirán bastante en sus opiniones, pero todo esto puede ser un tema bastante polémico y puede haber muchas discrepancias a la hora de marcar un límite de hasta donde llega la subjetividad y hasta donde algunos factores son subjetivos cuando valoramos una fotografía, su mensaje, o también cuando analizamos el efecto que pueda crear en el espectador.

Para terminar voy a poner un extracto del texto “La percepción visual” donde Juan cordero Ruiz critica los esquemas estereotipados en el arte, y por lo tanto las “reglas de composición”:


“Hagamos un inciso para caer en la cuenta sobre el daño que producen al arte estas ideas de esquemas estereotipados y encasillamiento de los amplios matices diferenciales de las obras de arte. Si mirásemos con ese criterio dos cuadros, uno de Velázquez y otro de cualquier contemporáneo suyo mediocre, las diferencias no serían de bulto, y por ello inapreciables: iguales argumentos, composición, colorido, personajes... Las diferencias habría que buscarlas en los pequeños matices que siempre escapan a las clasificaciones globales. Podemos decir que la obra vulgar no se diferencia en sus planteamientos de la obra maestra, que estos planteamientos y el aspecto general pueden ser comunes, su diferencia se encuentra en pequeños y sutiles detalles que sólo se perciben por una sensibilidad bien educada. Una cultura de clasificaciones maniqueas etiquetadas en "bueno" y "malo", que borra los matices y medias tintas, prejuzgando obras y personas por el casillero que les correspondió, incapacita para la actividad artística.”
Juan Cordero Ruiz


Estaría bien que todo aquel que le preocupe este tema, colaborara poniendo su opinión escribiendo un comentario, contribuyendo así a crear un debate en el que podamos ver distintos puntos de vista y distintas opiniones sobre las “reglas de composición” y todos los temas tratados en esta entrada, gracias.

5. Fuerzas de expresión.

Ahora ya vamos a seguir con el tema de la composición con las fuerzas de expresión, quisiera darle las gracias a José Benito por aclararme un poco este tema, porque aunque yo ya llevaba un tiempo estudiando el tema de la composición, en algunos aspectos de este tema antes yo solo tenía un montón de conceptos sin orden en mi cabeza, y las sesiones de composición de “Un Año de fotografía” me han ayudado a conectarlos y estructurarlos mejor y a tenerlos un poco más claros.

“La composición es la manera más impactante de ver”

Edward Weston

Una vez ya conocidos todos los elementos que constituyen una imagen (punto, línea, contorno, dirección, tono, color, textura, dimensión, movimiento y escala) hay que aprender las técnicas para estructurarlos de la forma que consideremos más idónea en cada situación para crear el mayor impacto visual, pero sobre todo para saber utilizarlos y organizarlos con el fin de crear la composición y el mensaje que busquemos en cada momento, y esto se logrará mediante distintas técnicas que van del contraste a la armonía, y muchos pares de opuestos más relacionados con cada uno de estos valores, que pueden reforzarse mediante el tratamiento de la luz, del equilibrio, de la simetría, de la profundidad, del agrupamiento, de la positividad, de la expansión, del centramiento, de la distribución de los centros de interés en el encuadre, etc. Podemos hacer una comparación para que se entienda mejor, imaginemos que los elementos son palabras, pues ahora hay que aprender a organizar esas palabras para construir frases que nos digan algo.

“Para ser un verdadero creador, todo artista visual, tiene que tener dos dones: cierta sensibilidad hacia la vida, por los seres vivos, y por otra parte el arte de apresar esa vida en cierto modo, no se trata de esteticismo puro, una foto confusa no puede penetrar en la memoria. Siempre considero la estructura formal de una fotografía, su composición, tan importante como el tema , hay que eliminar todo lo superfluo, hay que orientar el ojo con gran decisión y hay que tomar de la mano la mirada del espectador y conducirla hacia lo que es interesante contemplar.”

“Siempre he mantenido el valor de la perfección formal: la estructura o composición de una fotografía es tan importante como su tema. Esta no es una exigencia estética, como podría suponerse, sino una exigencia práctica. Solo las imágenes poderosamente concebidas tienen la capacidad de penetrar en la memoria, de quedarse allí; en una palabra de convertirse en inolvidables.”

Citas del fotógrafo Brassai extraídas de la sesión 12 de Fotografía clásica de “Un Año de Fotografía” en la que José Carlos M. Robles nos habla de este fotógrafo.

Estas dos citas de Brassai me encantaron cuando las descubrí, por que nos dice cosas esenciales para la composición, como que esta es esencial para crear el impacto visual de una fotografía y que una imagen permanezca en nuestra memoria, y que no solo se trata de crear algo estético y satisfacer nuestras necesidades creadoras, sino que una buena composición tiene también más funciones prácticas, como la de crear un mensaje más claro y permanecer más tiempo en la memoria del espectador mostrando solo los elementos esenciales, y una de las formas de hacer esto es simplificando y utilizando fondos que no distraigan la atención del espectador, también nos dice que un artista visual debe intentar que el recorrido visual de su obra lleve al espectador a mirar lo que se desea que mire.


Con respecto al tema de los “dones” al igual que José Benito no creo en los dones innatos, sino que un artista visual se forma y va aprendiendo poco a poco con el estudio y la experiencia, no discuto que haya personas con más facilidad para aprender que otras, o con más cultura visual por el motivo que sea, pero de nacimiento no se pueden saber muchas cosas si no las vemos, las estudiamos y las ejercitamos, y con lo extenso que es el tema de la composición menos aún, puede ser que tengas más capacidad con los colores, con las formas, o con otros detalles si puedes aprovechar la sinestesia, pero es imposible que alguien que no haya estudiado nada sobre composición o otros temas que se relacionen con esta, aplique los conceptos igual que alguien que si los ha estudiado, ya que el que no los ha estudiado ni conocerá la mayoría de ellos, y aún así, habrá quien piense que tiene un don innato y que no tiene nada que aprender, y esto es un gran error, sobre todo lo de creer que ya se sabe todo lo que hay que saber, pero la realidad es que siempre hay algo que aprender y que estaremos aprendiendo hasta que nos muramos. Y la prueba de esto para mi es que cuanto más avanzo en el tema de la composición, poco a poco voy viendo como se van extendiendo las posibilidades de estudiarla y como descubro cada vez más cosas que ni entiendo bien al principio, ni sabía que existían, ni a veces tienen mucho que ver con la composición, pero sin embargo he llegado a ellos gracias a la esta, y entonces me voy dando más cuenta de mi ignorancia, y de que aún me queda un camino muy largo por recorrer, esto es así en cualquier cosa que estudiemos, siempre se van abriendo nuevas posibilidades, y una cosa te lleva a otra, la otra a otra y así.

“Pienso en mi mismo como un explorador que ha pasado su vida en un largo viaje de descubrimientos.”

Paul Strand.

“La sabiduría es hija de la experiencia”

"Los que se enamoran de la práctica sin la teoría son como los pilotos sin timón ni brújula, que nunca podrán saber a dónde van."

Leonardo Da Vinci

Es probable que este tema no esté muy bien estructurado del todo y que no sea muy completo, ya que es un tema bastante complejo de estudiar, analizar y organizar para entenderlo bien, y para intentar no mostrarlo como normas dogmáticas, a mi mismo aún me queda por estudiar bastante para comprenderlo mejor, y es difícil encontrar una estructura de contenido o forma de estudiarlo aceptada por todos, ya que en cada sitio que he buscado información me lo he encontrado estructurado de forma distinta y con conceptos distintos la mayoría de las veces, y a mí no es que me sobren las referencias a la hora de estudiarlo, ya que no tengo dinero para comprarme muchos libros, casi solo dispongo de Internet. De momento la estructura que más me ha gustado y más me ha servido a mí para aclarar dudas son las sesiones de composición de Un Año de Fotografía.

En las siguientes entradas voy hacer una recopilación de algunos de estos conceptos, separando en cada entrada cada uno de ellos, y la bibliografía empleada en la realización de estas entradas la mostrare al final del todo en otra entrada aparte.

Aquí podemos ver el índice de estos conceptos que están íntimamente relacionados con la percepción.

-5.1. Armonía-Contraste.

-5.2. Equilibrio.

-5.3. Simetría

-5.4. Tensión.

-5.5. Ritmo.

-5.6. Centramiento.

-5.7. Agrupamiento.

-5.8. Aislamiento.

-5.9. Positividad.

-5.10. Expansión.

-5.11. Radiación.

-5.12. Modulación.

-5.13. Peso visual (Centros de interés).

Bibliografía.

Algunas reflexiones.

Antes de empezar con el tema de las fuerzas de expresión y seguir con el tema de la composición voy a empezar con algunas reflexiones que han pasado por mi cabeza ultimamente y me han hecho pensar en lo que la fotografía ha hecho por mí .

Se puede decir que me gusta el arte desde hace bastante tiempo, desde pequeño, y ahora estudiando fotografía me he dado cuenta de que saber algo sobre el arte, su evolución y su lenguaje te ayudan más de lo que me pensaba en el mundo de la fotografía, sobre todo en composición, y de que en fotografía son igual de importantes tanto la técnica como la composición, o incluso yo te diría que esta es más importante que la técnica, pero como ya he dicho el arte ya me interesaba desde hace mucho tiempo, mucho antes que la fotografía, ya de pequeño llamaban mi atención muchos cuadros y dibujos de artistas como Dalí, Escher, Monet y otros muchos pintores, estos que he nombrado sobre todo por los efectos ópticos, sin embargo en esa época yo no tenía ni idea sobre percepción visual, pero lo más curioso es que antes de estudiar algo sobre la composición y análisis de la imagen (a lo que me llevó la fotografía), yo no tenía mucha idea de lo que era el arte o por lo menos no entendía su lenguaje, aunque conociera los estilos artísticos que hubo a lo largo de la historia, a algunos autores y sus obras. Me he dado cuenta de su complejidad, y de que en realidad no entendía prácticamente nada sobre el lenguaje del arte, y que el arte en sí, nunca lo entenderé al completo, sino que mi visión irá evolucionando conforme vaya avanzando mi educación y mi experiencia, al igual que la forma de expresarme en mis fotografías. También me he dado cuenta que siempre nos queda mucho más camino por recorrer del que llevamos andado.

Hablando de reflexiones, la fotografía también me ayudó bastante a hacerme algunas preguntas que nunca antes me había hecho, aparte de disfrutar haciendo fotografías y aprendiendo sobre fotografía, me ayudó ha interesarme por cosas nuevas de las que sabía muy poco, que antes no me interesaban o les prestaba poca atención, como los pequeños detalles que se ven en una macrofotografía, los elementos que forman una imagen y su distribución, el medio ambiente y su conservación, etc… Estudiar algo sobre distintos temas como la fotografía, el arte, la naturaleza, el medio ambiente y mi medio más cercano me ayudó después a crear este blog, también a ponerle nombre a los sujetos de la mayoría de mis fotografías (insectos, plantas, parajes, etc…), a aprender a causar el menor impacto posible en el medio ambiente, pero sobre todo a anticiparme a las situaciones, a saber donde y cuando puedes ir a hacer una fotografía de un sujeto interesante y que esté más o menos en las condiciones que buscas, es decir a preparar una fotografía en vez de improvisarla, para esto también me está ayudando bastante el tema de la composición, para, aparte de hacerme las preguntas ¿Qué?, ¿Dónde? y ¿Cuándo?, hacerme también otras preguntas como el ¿Porqué? , el ¿Cómo?...

Al final la fotografía a ha abierto muchas ventanas nuevas en mi mente, pero también me ha ayudado a ser feliz, a estar ocupado y distraído en algo en tiempos de paro, a disfrutar como un crío mientras practico y estudio fotografía, en resumen, la fotografía ha ayudado a hacer de mi día a día algo más fácil.

“Mirar, fotografiar un paisaje bello es un poco como escuchar música o leer poesía, ayuda a vivir.”

Marc Riboud

Perspectiva

“Un segundo objeto situado a la misma distancia del primero que este primer objeto del ojo parecerá la mitad de grande que el primero, aunque en realidad tengan el mismo tamaño”

Leonardo Da Vinci

“La perspectiva es de tal naturaleza que hace que lo plano parezca en relieve y que lo que está en relieve parezca plano”

Leonardo Da Vinci

Perspectiva es una palabra latina, y significa “mirada a través”, de "per-", prefijo que significa "a través de" y speciere "mirar, observar", el sufijo "-tivo" creo que es "capacidad, inclinación, disposición", pero esto último ya no estoy seguro de que venga de ahí, supongo que si.

La perspectiva es el modo en que los objetos del espacio real tridimensional son reproducidos en forma de imágenes sobre un plano. En las fotografías se puede decir que es una ilusión.

Hay varias clases de perspectiva:

-Perspectiva lineal, es la que está creada por líneas (reales o imaginarias), se crea gracias a la disminución del volumen de los objetos conforme se alejan del ojo, los puntos de fuga son puntos de interés por los que el ojo se siente atraído y puede haber uno o más de uno.

-Perspectiva aérea o atmosférica, La perspectiva aérea se crea gracias a la desaturación de los colores con la distancia, a que los contornos se vuelven más difusos y el contraste decrece conforme se van alejando los objetos del ojo.  

Se suele crear una dominante azulada cuando está el sol en alto cuanto más lejos, y en las horas de los crepúsculos una dominante cálida cuanto más lejos, las nieblas también crean perspectiva atmosférica. Leonardo Da Vinci la utilizo con la técnica del “sfumato”

En fotografía para la representación de la dimensión se puede utilizar la perspectiva lineal que junto con el volumen (visible gracias al tono) crean la sensación de profundidad en las fotografías, también podemos dar más sensación de profundidad utilizando la perspectiva atmosférica, gracias a partículas en el aire como en las dos imágenes de arriba o también desenfocando un poco el fondo y difuminando un poco las líneas, esto también nos crea más sensación de profundidad, otra de las formas para dotar de más profundidad a nuestras fotografías es colocar más elementos en profundidad sobre los distintos planos de la imagen.

Luego también se puede crear perspectiva con el uso de los colores, en la siguiente fotografía es el color el que separa los diferentes planos o campos de la imagen.

Los pintores del Quattrocento son los que empezaron a preocuparse un poco más por la perspectiva en sus pinturas, pero aunque algunos pintores utilizaran ya algo el volumen, creaban una perspectiva demasiado artificial “perspectiva artificialis”, mas tarde en el Cinquecento empezaron a preocuparse más por el volumen y el claroscuro, y se empieza a crear una profundidad más natural, gracias a una mejor utilización de las luces y las sombras.

Evolución de la Perspectiva a lo largo de la historia de la pintura.

En el Románico se hacia uso nulo de la perspectiva como podemos ver en el ábside de San Clemente de Tahull, simplemente se utilizaban colores planos y algunas veces lo único que te puede recordar a la perspectiva son la superposición de elementos, pero aparte de no utilizar mucho el volumen, cuando superponían los elementos muchas veces no tenían en cuenta la reducción del tamaño que había que aplicar al sujeto que se encontraba más por detrás, en la siguiente obra pintada sobre tabla, el frontal de altar de la Seo de Urgel o de los apóstoles, se puede ver la superposición de elementos.

Esta obra de Giotto es de estilo gótico y ya se puede apreciar algo de profundidad gracias a la perspectiva y al volumen.

Pintura de Piero De La Francesca, "La flagelación" podemos ver la perspectiva que utilizaba este artista en el Quattrocento.

En la siguiente etapa del renacimiento, el Cinquecento ya podemos ver una profundidad más natural, en "La escuela de Atenas" de Rafael por ejemplo, gracias a un mejor uso de la luz y la sombra y a una perspectiva más natural.

En esta otra imagen podemos ver "La Gioconda" de Leonardi Da Vinci, aquí se puede apreciar la perspectiva aérea.

Más tarde en el barroco se tiende autilizar más la luz y la sombra, podemos ver como el gran maestro de Velázquez combina magistralmente la perspectiva aérea y la lineal en su cuadro de "Las Meninas".

 

Bibliografía:

-Ruiz, José B. – PDF y video de la sesión 30 de Un Año de Fotografía “Composición II”. Proyecto CAMON
-Cordero Ruíz, Juan. “Perspectiva cónica”

Mi nueva web: La Magia de la Noche

4. Algunos de los factores generales y técnicos que influyen en una fotografía.

4.1. Factores generales:

-Título.

Ancla o aclara un sentido en la imagen.

Como por ejemplo en esta fotografía donde quiero reflejar el tema del agua, el título “Del cielo al subsuelo” se refiere a parte del ciclo del agua, es una fotografía de unas gotas de lluvia en una hoja de Carpobrotus, una planta crasa, es decir con reservas de agua, y si se observa dentro de una de las gotas se puede ver un pozo, uno de los recursos naturales del altiplano, y como es lógico para que no se sequen esos pozos tiene que llover y el ser humano debe mantener una buena conducta y no sobreexplotarlos.

Del cielo al subsuelo

 -Autor.

Cada autor puede estar condicionado por sus experiencias, sus vivencias, sus influencias visuales, sus creencias o su ideología, que dependerán de la época y la zona en la que se ha criado y ha aprendido su visión del mundo, la cultura con la que le hayan educado, y muchos otros factores condicionantes, nosotros estamos bastante condicionados por la influencia de la tradición representacional occidental, pero por la cantidad de factores que influyen sin que nos demos cuenta, dos fotógrafos distintos con influencias visuales parecidas, en el mismo sitio y fotografiando lo mismo, pueden llegar a generar resultados muy dispares

-Género.

Esto en realidad no influye en una fotografía, sino que cada fotografía condicionará el género en el que se le puede catalogar. Algunos ejemplos: Fotografía de naturaleza, de paisaje, macrofotografía, nocturna, astronómica, de larga exposición, submarina, panorámica, bodegón, retrato, de desnudo, artística, de prensa, de deportes, fotorreportaje, de guerra, social, etnográfica, de denuncia, de arquitectura, científica, microscópica, industrial, publicitaria, de moda, ilustración digital (se está empezando a considerar otra cosa distinta a la fotografía).

Una misma fotografía normalmente pertenecerá a más de un género distinto ya que muchos de los géneros están íntimamente relacionados unos con otros, también podemos ver que varios de los géneros se pueden incluir dentro de otro género o disciplina, otros son según técnica empleada, otros según temáticas etc. por lo que no se puede hacer una clasificación absoluta.


4.2. Factores técnicos:

-Formato.

Se puede referir a las dimensiones de la foto, y también al ratio, es decir la proporción ancho-alto, y ambos son importantes en cuanto lo que se quiera transmitir en la imagen, o según la forma del sujeto, algunos ejemplos: 4:1, 3:1, 2:1, 16:9,  el rectángulo áureo o el 3:2, 4:3, 1:1
También al medio donde está representada, papel, diapositiva, digital, etc.

-Pixeles y Ppp (Pixeles por pulgada).

Su número y tamaño puede determinar más o menos definición en los detalles de una fotografía y el tamaño máximo de impresión o reproducción a una cierta calidad, y los Ppp (Pixeles por pulgada) son la unidad de medida de resolución de fotografías o dispositivos digitales como impresoras y cámaras digitales, cuanto más elevado sea este número, mayor será la resolución en la imagen.

-Distancia focal.

Esta viene definida por los milímetros que tenga el objetivo que utilicemos y es importante en la composición por que es lo que ampliará o reducirá el ángulo de visión de nuestra cámara y nos ayudará a recortar o ampliar el encuadre, también a “acercar o alejar” al sujeto desde un mismo punto, nos ayudará a jugar con la profundidad de campo y con la profundidad y la perspectiva para lograr la composición deseada.


Con objetivos de focal fija se suele conseguir más calidad de imagen, pero tendremos que movernos más para buscar los encuadres deseados y saber que objetivo nos va a venir mejor para cada situación según donde vayamos, lo que queramos fotografiar o que efecto queremos conseguir, y elegir uno o cargar con varios objetivos a la vez para aprovechar al máximo las posibilidades, pero eso depende de los gustos o la economía de cada uno.

Los principales aspectos que pueden variar según la distancia focal que utilicemos son por ejemplo:

-La profundidad de campo (por el tamaño de los círculos de confusión).
-Las hiperfocales.
-La distancia mínima de enfoque.
-El ángulo del encuadre.
-La visión de la perspectiva y de la profundidad.
-Las proporciones de los sujetos.
-Las vibraciones que causan la trepidación en las fotografías en el caso de no disponer de trípode en situaciones de poca luz o de la utilización de focales muy largas.

Fotografía con objetivo de 200 mm

-Diafragma.

Es lo que determina la cantidad de luz que va a entrar en un determinado tiempo de obturación según la apertura que configuremos en nuestro objetivo a través de nuestra cámara, también afectará en la profundidad de campo, con un diafragma más abierto (menor número f) menos profundidad de campo y con un diafragma más cerrado (mayor número f) más profundidad de campo.


También va a afectar en el rendimiento de las lentes que utilicemos, el máximo rendimiento de un objetivo se consigue con los diafragmas medios, con diafragmas muy abiertos o muy cerrados pueden aparecer más aberraciones y aumentar el fenómeno de la difracción, por un lado con diafragmas más cerrados las aberraciones se ven mitigadas y el único factor limitante es la difracción y sin embargo con diafragmas muy abiertos pierde importancia la difracción pero se acentúan las aberraciones. Y por otro lado con diafragmas cerrados aumenta la definición (acutancia) mientras que con diafragmas abiertos aumenta la transmisión del color (transmitancia).

El grado de las aberraciones dependerá de la calidad del objetivo, pero existen ya en el mercado objetivos con bastante calidad en cuanto a algunos de estos aspectos, pero cuantas más correcciones tenga un objetivo más cara y difícil será su construcción y por lo tanto más aumentará su precio.

Diafragma a F/2.8

Diafragma a F/8.4

-Velocidad de obturación.

Con este parámetro es con el que podremos controlar el tiempo que va a estar la película o sensor recibiendo luz para hacer una fotografía y es lo que nos ayudara a “congelar” o a “captar el movimiento” según en cada situación el efecto que queramos conseguir y la luz de la que dispongamos, también deberemos jugar con la velocidad para poder ajustar una determinada apertura de diafragma según el efecto que queramos conseguir, también se pueden utilizar filtros de densidad neutra e incluso combinar varios para poder aumentar el tiempo de exposición y captar el movimiento de cosas en condiciones de luz que sin esos filtros sería imposible captar.


Con el movimiento que se pueda apreciar en una fotografía (ya sea de una fotografía de un colibrí a una velocidad de obturación muy rápida, en la que salga el colibrí congelado entero menos las alas; o en una fotografía nocturna con una velocidad de obturación de 20 minutos, en la que se puede apreciar el movimiento de las nubes, las estrellas, el agua, etc.) algunas veces, se puede calcular el tiempo de exposición aproximado que se utilizó para hacerla analizando los elementos que sugieran el movimiento en la fotografía, siempre que este movimiento no se haya congelado con el flash en condiciones de muy poca luz a oscuras como en las fotografías de alta velocidad nocturnas, en las que el obturador puede estar abierto más tiempo del que dura el flash, pero nosotros en la imagen solo vemos lo que ha pasado mientras dura este, que en fotografía de alta velocidad puede ser unas milésimas de segundo, mientras que si no hay nada de luz ambiente, el obturador puede estar abierto mucho más tiempo, 5 segundos, por ejemplo, pero como no hay casi luz en la escena, solo sale aquello que es iluminado.

“…En la oscuridad sólo existe aquello que recibe luz…”

José Benito Ruiz. Fotógrafo en la naturaleza.

Velocidad de obturación de 1/500 segundo

Velocidad de obturación de 60 segundos.

Velocidad de obturación de 1/40 segundo

-ISO.

Normalmente, con respecto a la aparición de ruido en una fotografía, para conseguir la mayor calidad posible es recomendable utilizar los ISOs más bajos para que no empiece a aparecer, a no ser que nuestra cámara tenga muy buena respuesta ante el ruido, porque últimamente con el avance de la tecnología se pueden encontrar cámaras en el mercado con una respuesta al ruido impresionante, también quisiera destacar aquí que existen dos tipos de ruido, el ruido de luminancia y el ruido de crominancia, el ruido de luminancia es el único que tiene que ver con el ISO que configuremos en la cámara, el otro tipo de ruido está producido por el aumento de la temperatura del sensor de la cámara, por lo que suele aparecer en fotografía de larga exposición, cuando el sensor de nuestra cámara está trabajando durante mucho tiempo, y como es lógico este problema se acentúa mucho más en verano.

Fotografía de dos libélulas reproduciendose en la que me dejé sin darme cuenta el valor ISO a 1000 y esto junto con que con mi cámara compacta no puede desenfocar el fondo dieron como resultado esta broza de fotografía.

En esta imagen por ejemplo el ruido no proviene de un valor ISO alto, ya que está puesto a ISO200, proviene de la mala calidad del sensor de la cámara compacta que utilicé y a que es una exposición de 8 segundos como puede apreciarse por el movimiento de las espigas.


-Balance de blancos.

El balance de blancos es con lo podremos cambiar las dominantes de color en una fotografía, y utilizaremos uno u otro según la iluminación de la que dispongamos o el efecto que busquemos, muchas veces nos va a condicionar la iluminación que tengamos en el sitio, ya que por ejemplo, si ajustamos en nuestra cámara un balance de blancos de luz de sol y nos encontramos en una habitación con bombillas de tungsteno la fotografía nos saldrá demasiado rojiza, otro ejemplo puede ser si está nublado y ajustamos el balance de blancos en luz de sol, entonces nos saldrá azulada, pero esta claro que esto ya depende de los gustos de cada uno y de lo que quiera transmitir en cada momento, para la mayor creatividad lo mejor es utilizar el balance de blancos en modo manual, en el que lo podemos regular según grados Kelvin, con esto podremos decidir la dominancia de color que obtendremos en nuestra fotografía, pero claro para entender esto hay que conocer el concepto de temperatura del color y las cualidades térmicas del color (colores fríos y colores cálidos), otro factor importante es saber como responde nuestra cámara ante distintas iluminaciones y también nos ayudará bastante conocer las cualidades de la luz, saber como se comporta esta y tener claro el tema de los colores complementarios, pero en cualquier caso, utilicemos un balance de blancos automático o utilicemos un balance de blancos manual, estos conceptos son muy importantes para la fotografía en general.

Ajustando el balance de blancos a luz de sol

Ajustando el balance de blancos a tungsteno

Ajustando el balance de blancos a luz de sol    

Ajustando el balance de blancos a nublado

 En este cuadro podemos ver los distintos colores que alcanza un cuerpo metálico al calentarlo, aqui sería Tª en ºC:

Y en este otro se puede ver la temperatura de color que tienen los distintos tipos de iluminación:

-Flash.

Es recomendable que su intensidad sea regulable para poder jugar mejor con él en cualquier situación o también se pueden utilizar varios de ellos combinados para crear cualquier iluminación desde varios puntos, con los flashes también se pueden crear diversos efectos como por ejemplo el causado por un flash en modo estroboscópico, que dispara una ráfaga de flashes, o hacer múltiples enfoques en fotografía de larga exposición iluminando en cada disparo de flash el elemento que nos interese previamente enfocado y conseguir imágenes con primeros planos muy cercanos y fondos totalmente nítidos, creando efecto de profundidades de campo muy amplias sin necesidad de cerrar el diafragma mucho.


Con flashes y otros accesorios bien utilizados podremos emular cualquier tipo de luz, en cuanto a sus cualidades. Gracias al flash, también se pueden hacer fotografías de alta velocidad, como por ejemplo un saltamontes en el momento de un salto, momento que no se podría fotografiar congelando al sujeto sin la ayuda de los flashes y una barrera.

-Modos y áreas de medición y de enfoque.

Los modos de medición sirven para elegir si queremos que el fotómetro, ya sea de nuestra cámara o un fotómetro aparte, mida la imagen en general o si queremos concentrar la medición en algún punto, el modo puntual es el más preciso si sabes lo que estás haciendo, pero es más simple utilizar el que mide toda la imagen, pero podrás decidir menos sobre el resultado.


Los modos y áreas de enfoque es lo que nos permitirá elegir como enfocar y en que zonas.

-Punto de vista.

El punto de vista, teniendo en cuenta la posición desde la que se ha tomado una fotografía, puede hacer que cambien los elementos principales de esta, por lo que puede afectar desde un poco con algún cambio muy leve, hasta afectar bastante a la composición de la imagen, por este motivo es algo que hay que tener muy en cuenta a la hora de componer nuestras fotografías, hay que probar y experimentar lo máximo posible para comparar después los resultados, para esto se puede probar tirándote al suelo, subiéndote a algún punto alto, etc. no deberemos de limitarnos a la altura de nuestra vista y experimentar lo máximo posible para conseguir los diferentes encuadres y ver los cambios en la imagen y así poder juzgar tu mismo según situaciones o resultados que se quieran conseguir, y elegir para cada situación la que más nos guste, esto es muy importante por ejemplo para la elección de fondos o para variar las proporciones del sujeto, esto se puede exagerar más aún con un objetivo gran angular entre otras cosas.

  

-Distancia del Sujeto.

Es otro de los factores que afectaran en la profundidad de campo conseguida o en el objetivo que deberemos elegir para conseguir el encuadre deseado desde cierto punto, y como es lógico, al cambiar de focales también afectará a la visión de la perspectiva y de la profundidad.